ARQUITECTURA SIN DOLOR

Por Arq. Alberto Ortiz 

Coordinador de la carrera de Arquitectura

Proyecto Arévalo, Alberto Ortiz, 2004

En una tarde lluviosa de julio del 2004, acompañado de una buena taza de café, sentado frente a mi tablero de dibujo, me encontraba bocetando las primeras ideas para la casa de habitación de un familiar. Medité sobre la plática que sostuve con él, una semana atrás. Recordaba cómo esbozó con palabras cada uno de los espacios de su casa, recuerdo ese momento mágico: “Un elemento central luminoso en la médula del vestíbulo, este acento será un perol grande donde habrá piedras blancas semitraslúcidas con destellos brillantes. Bajo ellas, unas luces azules proyectarán un espectro azuloso hacia el blanco cielo falso de la doble altura del vestíbulo. De fondo, la pared de placas de concreto expuesto bajo una luz cálida tenue proyectada desde el piso…”. Me pregunté, ¿qué arquitecto no se inspiraría cuando el que morará el espacio describe así, poéticamente, la arquitectura?

¿Arquitectura sin dolor? ¿Existe realmente una arquitectura donde el dolor se calme? Nunca imaginé hacer arquitectura sin dolor. Desde hace veinticuatro años me desempeño como arquitecto, como diseñador y como soñador. También he tenido el privilegio de ser docente por más de un cuarto de siglo. Inicié mi faceta como docente antes de graduarme, primero como instructor y luego como profesor titular. Ha sido interesante el poder mezclar ambas etapas de mi quehacer profesional, con mi vida particular y sobre todo con mi forma de ver y entender a la sociedad, a la cual proyectamos nuestros diseños, desde la perspectiva muy particular, de la forma de cómo el usuario absorbe el espacio, ya sea con un rechazo, una aceptación o resignación plena.

Hace poco tiempo atrás, escuché un término desconocido para mí. Este prácticamente describe, en forma de parábola, el término arquitectura: Pausilypon. Su nombre deriva del griego pausilypon que literalmente significa “un respiro de peligro” o “que puede curar el dolor”. Un nombre relacionado con el paisaje hermosísimo que se disfruta en una zona de Nápoles, la colina de Possilipo, lugar donde se calman los dolores terrenales.

PARCO ARCHEOLOGICO PAUSILYPON,  NAPOLI, ITALIA

De esta manera, los Pausilypon se convirtieron en lugares mágicos para los romanos, espacios privilegiados que dignificaban el alma y el espíritu, donde se podía renacer y liberar el alma, donde se calmara el dolor. Todos tenemos un Pausilypon, ya sea espiritual o físico, un lugar donde nos encontramos en confort pleno. Esto me lleva a pensar en otro término: Algología. Esta es la ciencia que estudia cómo calmar el dolor, entiéndase como dolor cualquier dolencia sensorial o emocional que poseemos los seres vivos.

Por lo tanto, para mí la arquitectura debería de ser así: una arquitectura algológica, aquella que genere espacios donde no exista el dolor, donde todo funcione correctamente, donde la ciencia, la tecnología, la función y el espacio se fundan sin dolencias ni errores, sin padecimientos, sin dolor.

La arquitectura es la transformación del espacio natural a un espacio edificado para satisfacer necesidades espaciales del ser humano, ya sean individuales o colectivas. Es la materialización de un pensamiento creativo, plástico, poético, seguro y funcional, con mucho respeto, en primer lugar, al ser humano, al medio ambiente, a la cultura y a la sociedad, con un buen conocimiento y dominio de la técnica y ciencia, pero, sobre todo, con respeto a la arquitectura misma.

Esta disciplina ha transformado mi pensamiento, la forma de ver las cosas y sobre todo la incidencia, el compromiso social y cultural que tenemos los arquitectos para con la humanidad. Los productos arquitectónicos son nuestros, de los arquitectos que los creamos, así como las obras de arte, pinturas, esculturas, obras literarias son de los respectivos autores. Sí, proyectamos los espacios para otras personas, pero el producto, en su esencia, es de los autores diseñadores. Por ejemplo, toda la obra del Arq. Ricardo Legorreta tiene su marca muy personal, expresada en sus formas geométricas, colores fuertes y contrastantes, texturas, una arquitectura masiva, pero ritmada.

PROYECTOS DE RICARDO LEGORRETA

De igual manera la arquitectura de Richard Meier, con toda su arquitectura en blanco. Cabe aclarar que estas tendencias pueden cambiar o evolucionar con el correr del tiempo, la creación formal puede ser influenciada por diversos factores, como nuevos materiales y tecnologías emergentes a disposición de la arquitectura.

PROYECTOS DE RICHARD MEIER

Otro ejemplo muy ilustrativo es la arquitectura de Zaha Hadid, con una plástica exuberante y un dinamismo espectacular. Un derroche de forma y movimiento. Ella se expresa así y es su arquitectura plástica la que predomina en su obra.

PROYECTOS DE ZAHA HADID

A través del desarrollo de los proyectos he podido entender mejor a las personas, a las cuales les he proyectado y este entendimiento me hace reflexionar sobre la manera en que interaccionamos los seres humanos, en sociedad o como individuos. Me ha llevado a generar una arquitectura racional y lo importante que es el espacio para crear una habitabilidad arquitectónica con conciencia y con ciencia, impregnando mi concepto propio del espacio arquitectónico.

PROYECTOS VARIOS ALBERTO ORTIZ

La habitabilidad se comprende como la capacidad de ser habitado un espacio de acuerdo con ciertas condiciones específicas y únicas. La habitabilidad está íntimamente relacionada con el confort pleno, térmico, acústico, espacial, constructivo, ergonómico, económico, psicológico, ambiental, cultural… Es la búsqueda de este confort espacial e integral que satisfaga plenamente la habitabilidad del ser humano en su esencia y su ser… ¡Eso es arquitectura! A eso me refiero cuando declaro la responsabilidad profesional que tenemos en la incidencia espacial de los lugares donde el ser humano desarrolla sus variables actividades cotidianas, como individuo y como sociedad, en plena interacción con un medio que lo rodea, que dicta normas y una forma de vivir.

El arquitecto romano Marco Vitrubio Polión (siglo I A.C.) definió los tres pilares en los que  se sostiene la arquitectura: filmitas, utilitas y venustas, en otras palabras, la firmeza, referente al sistema constructivo y la seguridad integral del proyecto; la función, la utilidad del espacio y la interacción de los mismos, y por último la belleza, entiéndase como la correcta aplicación y conjunción de los principios y fundamentos del diseño, para crear arquitectura poética. Ninguna puede existir sin las otras dos, es una triada inseparable. Aquí mi punto medular, en el que fundamento mi visión y definición de la arquitectura, el componente funcional y el componente constructivo pueden estar acorde a las necesidades y a especificaciones técnicas, pero sin poesía no hay arquitectura. Lo más importante de ello es el resultado de la fusión de esa triada, que se resume en confort íntegro… ¿para quién? Para el que vive el espacio.

Por naturaleza misma, el ser humano ha impregnado de arte su mundo, su entorno. Es una necesidad que se encuentra en su ADN, es natural, es un medio de expresión e interpretación de su entorno, expresado de diversas maneras. Allí esta la magia. La aplicación del arte en arquitectura es básicamente la ordenación de los espacios, de cómo deben funcionar correctamente las relaciones entre ellos, el arte de ocupar la técnica y la ciencia, para que el espacio sea seguro y bello. La belleza es parte inherente del arte, muy subjetivo, sí, pero necesario.

Creo en aquella arquitectura en la que todo tiene un objetivo final: crear espacios bellos y funcionales integralmente, en plena armonía con la cultura, el medio ambiente, la sociedad y sobre todo…. con el morador del espacio.

Creo en la algología del espacio, en la arquitectura algológica… en la arquitectura sin dolor. 

Imágenes:

www.napolike.it/pausillypon-sugestioni-all-imbrunieri-settembre-ottobre-2013

1 .- http://www.animalpolitico.com/2011/12/aqui-las-obras-mas-reconocidas-del-arquitecto-ricardo-legorreta/#axzz2yYFOYtK3

2.- http://mtyenmovimiento.wordpress.com/2011/11/28/museo-marco/

3.- http://www.flickr.com/photos/27966213@333208256
4.- http://www.jlv.it/en/JLV-Hotel-SPA.html
5.- http://www.uimunicipalistas.org/redes/redurbanismo/?page_id=443
6.- http://www.uimunicipalistas.org/redes/redurbanismo/?page_id=443
7.- http://www.disenoyarquitectura.net/2013/09/los-muebles-de-zaha-hadid.html
8.- http://arqhoy.blogspot.com/2009/06/especial-proyectos-increibles-zaha.html

Reflectancia en mi HDR 2.0 con Sherwin Williams como padrino

 Por Iris Angulo

Quitarse el miedo y poner a prueba la creatividad es algo que aprendí con el concurso Concepts in color de Sherwin Williams. Este concurso, cuya primera edición fue en el 2013, consistió en que personas mayores de 18 años crearan un producto nuevo, estos podían ser mobiliarios, luminarias o algún accesorio.

Como en todo concurso, había ciertas pautas a seguir. La más interesante de estas era basar nuestro diseño en alguna técnica fotográfica: vintage, macro, HDR o blanco y negro. En mi caso elegí HDR. La elegí al azar… porque, acá en secreto, ni siquiera sabía en qué consistía.  Sin embargo, con un poco de investigación me di cuenta que es una técnica fotográfica fascinante. Para ilustrarnos: HDR significa High Dynamic Range Imaging y “es una técnica para procesar imágenes que busca abarcar el mayor rango de niveles de exposición en todas las zonas. Esto se consigue mediante la mezcla de varias fotos de la misma imagen con diferentes exposiciones”.

 Al ya tener la técnica en que me basaría, comencé a bocetar ideas para una luminaria. Entre tanto dibujo encontré “el perfecto” que se relacionaba con mi inspiración. Posteriormente realicé un “racional” (este consiste en una simplificación del dibujo inicial, como un boceto depurado); el cual explicaba mi concepto en que me había basado y todas mis ideas relacionadas a  la luminaria. Todo esto lo mandé al correo del concurso. Tan solo me respondieron con un “recibido”.

Pasaron algunas semanas antes de que dijeran los resultados de quiénes habían pasado a la etapa final. Un día, mientras recibía clases en la universidad, recibí la llamada. Me dijeron esto: ¡Había quedado entre los finalistas!  Y que necesitaban darme más información de la siguiente etapa al día siguiente y blablablá. ¡Qué maravilla! ¡Ya estaba entre los finalistas! ¡Y era la primera vez que participaba en este tipo de cosas!

Cuando llegué a la reunión estaba muy nerviosa, ahí conocí a los demás participantes. La encargada del concurso nos presentó los parámetros de la siguiente fase y nos dijo que contábamos con $150.00 para elaborar el artículo. Además, ellos nos darían la pintura u otro producto que llegáramos a necesitar para la elaboración del proyecto. Para que quede claro: Sherwin Williams nos apadrinaba toditito.

A partir de ese día, teníamos dos semanas para entregar el producto. ¡El tiempo era cortísimo! Y lo peor, yo nunca había mandado a hacer algo. Durante esos días estuve averiguando talleres donde mandar a hacer mi pieza, que era de metal. Intenté en varios lugares y me daban respuesta como “No se lo podemos hacer”, “El chico encargado de esa área se lastimó el brazo”, hasta llegar a lugares en que me daba mal espina en que no me terminaran las cosas a tiempo. Muy decepcionada llegué al punto de resignarme y decir: “Bueno, llegué a las finales… está bien”. Pero lo que yo quería era ver mi luminaria ya hecha.

Casualmente esa semana, varias de mis compañeras de mi carrera universitaria estaban entregando sus proyectos finales para una materia de Diseño del Mueble. Una de ellas me comentó el lugar donde había hecho su luminaria. Decidida por intentar una vez más fui a ver al lugar. Por suerte el dueño del taller fue muy amable, se notaba que tenía experiencia trabajando con el metal y prometió tenerme el proyecto para días antes de la fecha de entrega.

Durante la fabricación visité mucho el taller para ver el proceso, o para llevar la pintura, que fue otro aspecto interesante de mi aprendizaje. Yo opté por pintar mi luminaria con pintura automotriz por mi concepto, pero lo que no sabía es que para poder aplicar una pintura como esas se lleva un gran procedimiento y varios tipos de productos.

Al cabo de unos días… ¡Mi luminaria estaba terminada! ¡Me sentía muy feliz al ver realizado mi diseño!, Tal vez lo único que lamento es la elección del metal como material base, porque la luminaria se volvió muy pesada. El nombre con el que la bauticé fue HDR 2.0.

Al final no gané. Pero como experiencia para proyectos futuros agradezco la oportunidad que Sherwin Williams nos dio. Este tipo de iniciativas fomentan el diseño en el país y nos hace creer en nosotros mismo. Al principio no siempre las cosas van a ser fáciles, pero con esmero y dedicación todo se puede volver posible. Al tener la oportunidad de experimentar nos vamos dando cuenta de que algunas decisiones que tomamos sobre algo no fueron las más certeras. Aprender de nuestros errores es la clave para seguir adelante y darnos cuenta de que existen varias soluciones para un problema.

Conociendo de parametricismo

Por Iris Jacomé*

Una tarde, mientras veía una película biográfica de una famosa arquitecta, oí ese término por primera vez. Como la película no estaba en español, creí que era simplemente una palabra que no conocía, pero resultó que ni en español la conocía. Entonces comencé una pequeña investigación propia sobre el tema, la cual me sirvió muchísimo para mi ensayo final de  Historia de la Arquitectura 3, relacionada con el High Tech.

Todo eso me llevó a preguntarme una serie de cosas que parecían inconexas: ¿Qué sería de nuestra vida sin teléfonos, computadoras, televisores y todas las tecnologías que ahora usamos? Son vitales para nuestro diario vivir. Hasta en nuestra carrera y vida profesional  se han vuelto instrumentos indispensables.  Además, qué sería de nuestra carrera sin los software de diseño que utilizamos. ¿Sabías que lo que hacemos es un tipo de parametricismo básico? Pues sí lo hacemos.

Antes de explicar el parametricismo creo que es importante saber un poco sobre el High Tech. La arquitectura High Tech es la arquitectura que es intervenida por nuevas tecnologías y nuevos materiales. Surge tras la Segunda Guerra Mundial, ya que muchas ciudades fueron destruidas casi por completo. Además de otros acontecimientos, como la llegada del hombre a la Luna, ayudó a que las personas, los diseñadores y arquitectos dejaran volar su imaginación.

Al inicio, el High Tech se veía como una respuesta rebelde, en contra de todo lo que había en la época. En los años setenta se ve más marcado, y sus las obras se reconocían por la estructura exógena, que muchos arquitectos dejaban. Por ejemplo, el Centro Georges Pompidou, de Renzo Piano y Richard Rogers. Si ves la imágenes de este edificio, verás que todas la estructura de hierro y tuberías –que normalmente van escondidas– son totalmente visibles. Con los años, el High Tech fue evolucionando, y ya no solo es utilizar nuevas tecnologías, sino usar esa tecnología para crear formas inimaginables, formas plásticas que parecen más esculturas. Por ejemplo, el Centro Cultural Heydar Aliyev, en Azerbaiyán, de Zaha Hadid; o el Museo Soumaya en México, de Fernando Romero.

Centro Cultural Heydar Aliyev
Zaha Hadid

En lo personal, no creo que el High Tech sea solo utilizar nuevas tecnologías y materiales de vanguardia, sino también nuevas técnicas, incluidas las de dibujo. Ahora todo, o en su mayoría, lo dibujamos en computadora.

Ahora sí, el parametricismo es precisamente el modelado por computadora por medio de algoritmos, mediante un software que nos permite combinar figuras geométricas y crear nuevas. Quizá uno se asuste por lo matemático que esto suena, pero es que los programas ahora ya hacen las ecuaciones automáticamente. Eso sí, siempre tenemos que conocer la matemática para saber decirle al programa qué partes modificar, extraer, hundir, etc.

Museo Saumaya, México.

Hay una entrevista que se le hace a Patrick Schumacher, socio de Zaha Hadid, que explica de una buena manera el parametricismo y la inspiración que se puede tener con la naturaleza. Lo más relevante que puede sacar fueron las siguientes respuestas:

Preguntaba el entrevistador: ¿Es el parametricismo la más reciente extensión de nuestros límites de pensamiento arquitectónico y de diseño?  

Patrick Schumacher: “No, el parametricismo es un estilo más que un medio de diseño y es el medio de diseño el que define los límites de nuestro pensamiento. Sin embargo, el parametricismo depende de los nuevos métodos de diseño y es, por lo tanto, el estilo más eficaz para ampliar el universo de posibilidades proporcionadas por éstos. Los nuevos medios de diseño digitales han expandido los límites de nuestro pensamiento de diseño […], el pensamiento en términos de variaciones y correlaciones, así como en términos de genotipos que contienen virtualmente una variedad infinita de fenotipos. El estatus y significado de un modelo cambia: es sólo un momento efímero o un punto dentro del continuo de posibilidades, el  fenotipo de un genotipo subyacente que proporciona la estructura topológica y lógica del modelo.” [1]

Si se busca una diferencia entre el parametricismo y el modernismo, se puede encontrar una respuesta bastante clara en las palabras de Schumacher: “El Modernismo […] es siempre un proceso deliberado, desde arriba hacia abajo, sin importar si se está moviendo por agregación desde adentro o vía substracción y división desde fuera. Sus elementos compositivos primarios son los mismos que los de la arquitectura clásica: figuras geométricas rígidas como cubos, cilindros, esferas y pirámides y sus composiciones, por lo tanto, está siempre restringido a un puñado de estas figuras.”

Y continúa: “En el parametricismo, en cambio, todos los elementos pueden ser paramétricamente manejados. Esto les permite adaptarse a los otros elementos así como también a las condiciones de su contexto. En lugar de repetición, este estilo promueve la diferenciación y en lugar de simple yuxtaposición, la correlación. Cada acción convoca una reacción, es decir, la deformación codifica información. Todo esto contribuyó al gran logro del Parametricismo: la intensificación de las relaciones al interior de un edificio y de éste con su contexto, lo que responde a la creciente y cada vez más compleja demanda de la sociedad por comunicación.”[2] Esta respuesta es bastante clara. El parametricismo, al unir diferentes formas geométricas, forma una unión, como un supermodulo. El parametricismo también es gracias al estudio de la naturaleza, por eso también la comparación con el genotipo y fenotipo.

Nosotros ya utilizamos el parametricismo, con programas de uso fácil y básico, como AutoCAD, SketchUp  y similares; sólo que quizá muchos no conocíamos el término. Existen otros programas que son más sofisticados que dan soluciones de acuerdo al clima, proyectos de diseño urbano y soluciones de tráfico y circulación. Hay firmas de arquitectos que han elaborado su propio software de diseño, como Zaha Hadid y Frank Ghery.

El parametricismo es parte de la arquitectura High Tech, pues por medio de la tecnología de los computadores, podemos modelar formas de espacios que muchas veces nos los guardamos en nuestra imaginación. Pero gracias a los algoritmos, podemos hacer estas cosas realidad. El parametricismo es un tipo de arquitectura  que se guía más por la forma que por la función. No sólo se pueden modelar figuras extravagantes y curvas con el parametricismo, sino también formas rectilíneas. Ya a nosotros AutoCAD y SketchUp nos ayudan a poder visualizar mejor nuestros proyectos. Muchos programas ahora pueden proponer los tipos de materiales y  la climatización de los espacios, nos hacen la vida más fácil a la hora de diseñar.

A continuación, muestro algunas de mis propios trabajos realizados en SketchUp, un programa de parametricismo básico.

Esquema de solución de un Planetario
 para Diseño Arquitectónico 4.

*Estudiante de 4.° año de Arquitectura. Texto original: ensayo para Historia de la Arquitectura 3, con Arq. Jorge Vargas. Texto editado especialmente para el blog.

Imágenes tomadas de: 

Centro Cultural Heydar Aliyev - http://www.dsgnr.cl/2013/08/centro-cultural-heydar-aliyev-zaha-hadid/

Museo Soumaya - http://arquitecturaquantumm.blogspot.com/2009/09/el-nuevo-museo-soumaya-por-larfernando.html

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[1] Entrevista de: http://www.patrikschumacher.com/Texts/La%20Autopoiesis%20de%20la%20Arquitectura.htm

[2] Ídem.